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Slinkachu

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Little People de Slinkachu a commencé à apparaître dans les rues de Londres en 2006. A peine visibles, « cachés » par leur taille, ils semblaient vivre dans un monde parallèle, comme des fourmis, avec et sans nous. Néanmoins, chaque scène présentait des éléments de notre vie commune : ce petit homme d’affaires s’est fait fracasser sa voiture par une sucette ; ce petit garçon a utilisé une peau d’orange comme parc à skate. Lentement, nous avons découvert que l’artiste était dans un processus réel de construction du monde. Avec le temps, nous savons que les Little People ont plus à dire qu’à être considérés comme de jolis personnages en résine dispersés dans la rue. Et peut-être que la « société » qu’ils forment pourrait être vue comme une métaphore de notre, avec leur sens de l’humour aigre-doux et leur mode de vie.

Les Little People

Comment êtes-vous devenu artiste ? Avez-vous étudié dans une école d’art ?

J’ai étudié à l’école des beaux-arts, mais mon but n’était pas de devenir un artiste en tant que tel, mais plutôt un illustrateur. Je suis allé à l’université pour étudier l’illustration, mais j’ai fini par lire la direction artistique pour la publicité et c’était mon premier emploi. En 2006, alors que je travaillais pour une agence de publicité, j’ai commencé à faire des miniatures et à les laisser dans les environs de Londres, plus qu’autre chose, comme un passe-temps. J’ai fini par m’intéresser tellement à mon projet de  » petites gens  » que j’ai quitté le travail pour le poursuivre à temps plein.

 

D’où vient l’idée des Little People ? Avez-vous déjà pratiqué le modelage vous-même ? Les personnages semblent être une confusion entre les Sims, les wargames et Lego.

J’ai toujours été fasciné par les jouets et les figurines. J’aimais Lego quand j’étais enfant et ma mère, qui travaille avec les enfants, était très douée pour me donner des projets comme la fabrication de dioramas miniatures à partir de boîtes de céréales. L’idée de mon travail actuel m’est venue un jour, alors que je travaillais sur un autre projet. Je pense qu’à l’époque, je cherchais inconsciemment une activité créative en dehors de mon travail plus commercial pour m’exprimer. Rétrospectivement, mes premières tentatives d’installation et de photographie ont été assez simplistes. En fait, certaines de mes toutes premières installations n’ont pas été photographiées du tout. Au fil du temps, j’ai appris à me servir d’un appareil photo, j’ai évolué vers un reflex numérique professionnel et j’ai été fasciné par les possibilités qu’offrait l’idée de raconter des histoires et de provoquer des émotions chez les gens qui voyaient la photographie.

En créant les Petites Personnes, vous vous placez dans la position d’un dieu : vous créez une société entière avec des centaines d’histoires. Etait-ce un défi passionnant pour votre imagination ? Quelles ont été vos inspirations (artistiques, jeux vidéo…) pour construire un univers ?

Beaucoup de mes inspirations ne se traduisent pas dans mon travail. J’ai toujours aimé la science-fiction et la fantaisie et bien qu’il y ait des éléments de cela dans mon travail, j’essaie consciemment d’éviter de rendre mon travail trop fantastique – je veux l’ancrer autant que possible dans la vie réelle. La construction du monde est quelque chose qui me fascine et m’a toujours fasciné. Je suis un grand fan de Star Wars et j’adore le monde élargi qui a été créé pour cette propriété. J’aime aussi lire et écrire – créer de nouveaux mondes dans l’imagination des gens est une compétence qui m’a toujours intéressé.

Quelles sont les différentes étapes de l’élaboration d’un cadre ? Ça commence par une histoire ?

Le processus est à peu près le même pour chaque  » scène « . Je passe beaucoup de temps à trouver des idées narratives et je garde des carnets de croquis remplis de dessins et de notes. Une fois que j’ai une idée qui me plaît, je peux faire les chiffres. Chacun d’entre eux est une figurine de train, à l’échelle 1:87, que je personnalise au besoin. Je les découpe, les repose, ajoute de nouveaux éléments avec de la pâte à modeler et les peins. La scène aura souvent besoin d’accessoires d’une sorte ou d’une autre. Parfois, il s’agit d’objets trouvés que je ramasse dans la rue, comme des insectes morts ou des morceaux de litière. Je collectionne aussi des objets miniatures sur des sites comme eBay et souvent je fais des choses à partir de rien en utilisant des bouts de kits de modélisation ou des objets ménagers – par exemple une fois j’ai fait un toboggan aquatique avec une paille bouclée. Une fois les figurines faites, je les emmène dans la rue pour les placer et tirer. J’ai d’habitude l’idée d’un emplacement difficile, comme une boîte aux lettres, mais je passe ensuite beaucoup de temps à me promener dans la ville pour trouver la boîte aux lettres qui me convient le mieux pour une image. La mise en place des scènes prend environ cinq à dix minutes, selon la complexité. J’ai utilisé de la super colle pour coller les personnages au sol. Je dois ensuite descendre sur le sol pour prendre les photos et cela prend généralement de 30 minutes à une heure selon le temps et la lumière. Les personnages sont ensuite laissés dans la rue. Si tout se passe bien – je ne suis pas dérangé et le temps et la lumière jouent le jeu – le processus est beaucoup plus rapide.

Skyscraping, New-York, 2011
Les Little People semblent venir directement de notre vision inconsciente de l’American Way of Life telle qu’idéalement décrite dans les années 60. Pourquoi cette époque ? Qu’est-ce que c’est parce que nombre de symboles de la culture occidentale viennent de là ?

Je ne pense pas que mon travail reflète la culture américaine, ni celle des années 60. Si j’essaie de rendre l’œuvre universelle, ou du moins de l’adapter à la ville ou au pays dans lequel je tourne, et au monde moderne, c’est parce que je suis britannique que beaucoup d’idées pourraient venir de ma propre expérience au Royaume-Uni. Dans mon travail aussi, je renverse souvent une vision romantique du passé, par exemple pour mettre en contraste la liberté de jouer imaginée que les enfants avaient « à l’époque » avec la réalité de la vie des enfants aujourd’hui dans une ville moderne. Certes, les symboles américains peuvent jouer un rôle – aucun endroit au monde ne parvient à leur échapper ! – mais c’est surtout par le biais d’objets que j’utilise, comme une cannette de coke comme litière dans la rue.

au-delà de la résine

Les Petits Peuple semblent amusants à première vue mais témoignent en réalité de nombreux aspects négatifs de notre société : le village modèle mondial, qui est le titre d’un de vos livres, est plus qu’une création « mondiale » : vos personnages parlent de gaspillage social (Shifting Sands, The last resort), politique (Whispers), solitude (What Brings us together and what keep us apart), questions sociales (Balancing Act) et inégalités (High Life). Vous décririez-vous comme un artiste engagé ?

Mon travail n’a pas toujours des déclarations politiques ou sociales fortes, mais je n’ai jamais voulu me contenter de faire un  » joli tableau « . Je m’intéresse certainement aux thèmes sociétaux, principalement je pense comme je m’intéresse à la représentation de la vie réelle, bien que d’une manière souvent métaphorique. Les installations et les images avec lesquelles je suis le plus heureux ont différentes couches. À première vue, ils peuvent sembler humoristiques ou mignons, mais en dessous, il y a souvent une obscurité, ou un problème sérieux. Les images ont presque toujours un récit qui reste ouvert au spectateur, s’il est prêt à faire appel à son imagination, et les figures, les lieux, les accessoires et les angles se combinent pour créer cela. J’aime explorer les différentes façons dont la vie urbaine nous affecte et cela implique généralement des thèmes d’isolement, de solitude et de frustration d’une manière ou d’une autre. Beaucoup de ces histoires sont basées sur de plus petits problèmes auxquels nous sommes confrontés au quotidien plutôt que sur de grands commentaires politiques, mais nous ne pouvons pas éviter la politique dans la vie de tous les jours et je sais donc que cela fait de plus en plus partie de mon travail depuis que je suis plus vieux.

What bring us together and what keep us apart, Italy, 2009
Une série de vos récits témoigne d’une société désorientée, essayant de traiter à la fois ses valeurs les plus anciennes (l’Histoire), et les plus récentes (Je la quitte, Gloire, Jésus sauve). Est-ce votre vision ? A la fin, nous nous rendons compte que les Petits Peuples ne représentent pas la société idéale, mais qu’ils sont peut-être plus proches de nous que nous le pensions.

C’est tout à fait exact. Dans presque tout mon travail, les chiffres sont des simulacres de l’ensemble de la population et des problèmes auxquels nous sommes tous confrontés dans le monde moderne. Il est certain que la poussée et la traction entre le passé et le présent (et l’avenir) est quelque chose qui se retrouve souvent dans mon travail et qui, personnellement, m’intéresse au plus haut point.

 

Vos créations ont aussi beaucoup à voir avec les sentiments : vous gardez toujours une part d’humour, avec des interactions visuelles amusantes entre notre monde et celui des petits (Damn Kids), néanmoins certaines de vos créations sont tragiques et la mort peut arriver au coin de la rue, souvent avec un titre satirique (Wonderful World, Crappy Christmas…)

L’art et les médias que j’aime le plus personnellement ont toujours cette juxtaposition d’humour et de tristesse, c’est pourquoi je pense que c’est la raison pour laquelle il figure dans mon propre travail. Je pense que l’humour est un moyen puissant de faire réfléchir les gens sur des thèmes plus profonds. C’est la porte ouverte sur le sous-sol.

Néanmoins, une vraie poésie demeure dans votre travail : la poésie de la ville (Sugar High), mais la poésie en effet où vos personnages trouvent la nature (Secret Garden, The Stream, Dead Leaves). Ce sentiment de liberté ne saurait être mieux représenté qu’avec le personnage à deux plumes.

Je suppose que je me qualifierais d’optimiste pessimiste. J’ai une vision assez sombre de la vie, mais je rêve d’un avenir prometteur.

Damn Kids, 2011
En tant qu’artiste de rue, comment gérez-vous vos droits ? En exposant votre création dans la rue, vous renoncez au droit de représentation et les gens peuvent prendre des photos librement (s’ils parviennent à trouver votre œuvre) Est-ce que cette liberté constitue une partie essentielle de votre travail ?

Je pense qu’en raison de la nature de mon travail, cela ne m’affecte pas autant que d’autres artistes qui travaillent à l’extérieur. Souvent, mon travail est complètement négligé (en fait, c’est presque le but du travail !) et ne se fait donc pas photographier par les autres. Quand je fais partie d’un spectacle ou d’un festival, cependant, le travail que je fais est plus évident et dans ces cas-là, je suis en fait intéressé de voir comment les gens voient mon travail et comment ils le photographie. Avec les installations que je réalise, je les filme très spécifiquement pour invoquer l’émotion ou le sens (sous les angles, la lumière, la prise de vue du jour ou de l’année) et il est intéressant pour moi de voir les regards des autres sur mon travail. Comment y réagissent-ils et comment encadrent-ils les histoires ? Laisser le travail dans la rue signifie renoncer au contrôle de ce travail – et ce faisant, vous renoncez au contrôle du sens et du message que vous auriez pu personnellement signifier pour le travail. Vous renoncez également à la propriété de l’œuvre – de sorte que les gens peuvent prendre les chiffres s’ils le veulent, ce qui a pour effet de détruire l’œuvre.

Vous laissez toujours les petites gens dans la rue après les avoir pris en photo ? Comment vous sentez-vous de créer ces personnages pour la rue, et d’une certaine façon de les abandonner après les avoir pris en photo ? De cette façon, vous créez un jeu avec le public, qui doit chercher pendant un certain temps pour le découvrir.

Je trouve que laisser les chiffres est tout à fait cathartique ! Je vérifie très rarement combien de temps ils ont duré. Laisser les chiffres fait partie du travail pour moi. Ils sont abandonnés et souvent perdus. Si les gens les trouvent, c’est parce qu’ils font attention à leur environnement – mais souvent, en ville, nous ne le faisons pas. En fait, nous sommes enveloppés dans nos propres mondes, regardant nos téléphones !

Votre travail est à la fois constitué de modelage et de photographie. Si la création elle-même est constituée par la partie modélisation, c’est l’image qui fixera l’atmosphère et offrira la possibilité au public de la découvrir. Comment vous souciez-vous de ces deux aspects ?

Les installations et la photographie fonctionnent de différentes façons, je pense. Les installations elles-mêmes, ou même simplement l’idée d’installations si petites et cachées, encouragent, espérons-le, l’exploration de la ville. La photographie permet une réponse plus émotionnelle, je pense. J’ai trouvé que les gens avaient de l’empathie pour les modèles et cela m’a donné envie d’explorer comment raconter un récit ou créer une émotion dans un plan statique. Les installations sont laissées à l’abandon et peuvent ne pas durer longtemps du tout, mais la photographie en est la preuve. Je me prends parfois pour un photojournaliste qui enregistre ces petites scènes éphémères. Et comme le photojournalisme, les images racontent certaines histoires basées sur le cadrage. Mes images sont très soigneusement composées.

Shore line, Honolulu, 2016
Vous prenez à la fois des photos prises de près et des plans larges. Cela a toujours été évident pour vous ? En effet, je pense que c’est quelque chose de fort dans votre création : les deux images créent deux atmosphères. Le plan rapproché est « l’action », et nous montre ce qu’est votre travail. Mais pour la plupart, c’est vraiment le plan large qui va donner tout son sens aux images, en les intégrant à l’intérieur de la ville.

Oui, une fois que j’ai commencé à prendre des photos de mon travail, j’ai toujours pris à la fois un gros plan (ce que je considère comme l’image principale, qui est composée) et un plan contextuel (un plan long qui place l’œuvre dans le contexte réel du milieu urbain). Le premier plan est le fantasme, presque un plateau de tournage. Le deuxième plan est la réalité ou la révélation, ou peut-être la chute.

 

Les Little People sont intéressants. En effet, votre art est un art de rue, il est situé dans la rue et en théorie tout le monde peut le voir. En réalité, c’est pratiquement invisible et vous ne pouvez pas si vous n’y prêtez pas une attention extrême. Quelle intéressante métaphore les Little People pourraient être ! Ce n’est pas parce que vous ne le voyez pas qu’il n’existe pas, ou pour utiliser le titre d’une de vos œuvres : Danger : géants travaillant au-dessus.

C’est la métaphore à laquelle j’aime à penser : les miniatures sont les étrangers que l’on croise tous les jours et dont on ne se rend pas compte. Ils ont tous leurs propres problèmes ou questions, peut-être les mêmes que les nôtres, mais nous n’y prêtons guère attention.

Tu travailles sur la série Little People depuis dix ans. Pouvez-vous imaginer travailler sans eux et faire autre chose ?

Presque exactement 10 ans – j’ai commencé en septembre 2006. Il y a d’autres choses que j’explore, comme l’écriture, mais je pense que les miniatures en général feront toujours partie de ma vie d’une manière ou d’une autre.

Quelle est la question que je n’ai pas posée ?

La seule question que toute personne créative craint : D’où te viennent tes idées ? Ma réponse habituelle est : « De l’intérieur de ma tête » !

Photographies: Slinkachu

Vous pouvez retrouvez Slinkachu sur son site internet.

Entretien enregistré en août 2016

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