LA MÉMOIRE ADHÉSIVE

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LA NAISSANCE D’UNE PASSION

Quand as-tu commencé à collectionner les stickers ? Qu’est-ce qui t’a initialement attiré vers ce médium ?

J’ai commencé à collectionner des stickers au début des années 80. Avant cela, j’étais en contact avec eux via les célèbres albums Panini ou d’autres planches, mais uniquement pour les coller comme il se doit. J’ai aussi de très bons souvenirs d’enfance : j’étais fasciné par l’allure de la voiture de sport de mon père, décorée avec beaucoup de goût avec des stickers de style « course automobile ». L’attraction pour ce médium tient en partie à sa taille. J’aime simplement la sensation de pouvoir tenir entre mes mains des œuvres d’art et des designs merveilleux et colorés. D’un autre côté, j’aime aussi cette opportunité de donner une touche individuelle à tant de choses dans mon quotidien et d’exprimer ma personnalité, mon caractère et mon goût de manière très créative.

Pourquoi avoir voulu créer un musée du sticker ? Pensais-tu qu’il y avait une dimension historique à mettre en avant ?

La création du Sticker Museum n’a pas été aussi consciente et volontaire qu’on pourrait l’espérer… C’était plutôt une série de moments du destin : la publication du livre Skateboard Stickers, l’expérience du premier Sticker Design Award, mon immersion plus intense dans les cultures skate, streetwear et art urbain, et finalement, le fait de ne plus me sentir à l’aise dans mon travail de l’époque et de vouloir m’en échapper totalement. Je ne peux pas dire, bien que cela sonne mieux, que j’ai pensé d’emblée qu’il y avait une dimension historique à mettre en lumière. Mais ce que je peux affirmer clairement, c’est qu’à partir du moment où l’idée a pris forme, mon but était d’offrir à cette culture brillante une plateforme locale permanente pour la cultiver et la conserver pour toujours.

CULTURE URBAINE ET DÉMOCRATIE VISUELLE

Comment choisis-tu les stickers qui méritent d’être préservés ou montrés au public ?

Il était clair pour moi dès le début que l’exposition du musée devait refléter l’activité et la présence de la culture sticker dans la rue. En d’autres termes, n’importe qui peut présenter ses stickers n’importe où, et en tant que spectateur, vous décidez si vous ignorez le design, si vous le trouvez intéressant ou si vous l’adorez. C’est exactement comme cela que ça fonctionne au musée. Chaque donateur est représenté avec au moins un sticker, et le visiteur décide de ce qu’il aime ou non. Il ne reçoit pas une sélection pré-triée selon mes goûts qui limiterait son choix ou son impression. De cette façon, je montre également la plus large gamme possible de styles et la grande diversité de la culture sticker.

Quelle est l’importance de les voir en tant qu’objets physiques, par rapport aux archives numériques comme celles de Catherine Tedford aux États-Unis ?

Pour moi, il est généralement beaucoup plus fascinant d’expérimenter l’art sous n’importe quelle forme dans des expositions et des musées, de se tenir devant l’œuvre en sachant qu’elle a été créée par l’artiste lui-même. Comme je considère les stickers de ma collection comme des œuvres d’art, j’ai longtemps résisté à l’idée d’une archive numérique. Mais j’ai aussi beaucoup appris de Cathy et compris les possibilités et les avantages d’une archive numérique en complément du musée. C’est désormais sur ma liste de projets.

Quel est ton regard sur le rapport entre le sticker et le temps (moment du collage, éphémère de la rue, conservation, objet historique) ?

C’est triste en soi de collectionner quelque chose, de le coller et de l’admirer dans la rue, alors que c’est absolument temporaire. Que la colle sèche avec le temps, qu’un sticker appliqué devienne rayé, décoloré, ou qu’il soit recouvert ou enlevé dans la rue… Plus je vieillis, plus il m’est facile de gérer cet aspect temporaire. Même pour les pièces phares de ma collection, je suis maintenant très détendu à l’idée qu’elles puissent se détériorer un jour. Heureusement, cela n’arrive pas trop vite si vous prenez bien soin de votre collection, mais on ne peut pas l’empêcher. Et cela a aussi un côté positif dans la rue : cela libère toujours de l’espace pour de nouvelles œuvres.

VERS UN STATUT PATRIMONIAL

Cherches-tu à construire une mémoire du présent avec ces archives ? Si oui, comment sélectionnes-tu ces pièces particulières ?

Cela dépend de la façon dont on comprend le « présent » et jusqu’où il peut remonter… Les points forts de ma collection commencent avec des bijoux de skate des années 70 et des trésors d’art urbain des années 2000. Pour moi, cette période est absolument le présent, et j’adorerais créer un témoignage de cette époque comme une partie particulièrement précieuse de la culture POP. Je choisis des stickers de compagnies emblématiques, des designs spéciaux, et dans la catégorie street art, des œuvres d’artistes qui ont un certain statut dans la scène, notamment des pièces faites à la main. De plus, j’essaie de montrer autant de styles différents que possible dans chaque espace d’exposition : designs de personnages, typographie, « ad busting », etc.

Quand on pense aux stickers, on pense d’abord à la culture underground ; selon toi, sont-ils devenus « mainstream » ?

Dans ce cas, je dirais plutôt que les stickers ont toujours été « mainstream » en raison de leurs premières utilisations comme outils publicitaires ou simples étiquettes. Heureusement, une sous-culture s’est développée à partir de ce courant dominant, s’appropriant le médium et le conquérant de la meilleure des manières.

Quelles sont les difficultés pratiques du maintien d’un musée du sticker par rapport, par exemple, aux musées des beaux-arts ? Pourquoi est-ce important pour toi de le garder gratuit ou très peu coûteux ?

Le problème principal est clairement de couvrir les frais de fonctionnement chaque mois. Ces types de projets de sous-culture ont fondamentalement peu de chances de survivre par eux-mêmes. J’ai eu la chance de lancer la boutique en ligne dès le début pour avoir une base financière. Cela me permet de survivre, parfois mieux, parfois moins bien. Bien sûr, j’ai essayé d’obtenir des financements culturels locaux, nationaux ou européens, mais je n’ai jamais réussi. Les musées d’art ont bien plus de chances de recevoir des fonds grâce à des fondations, des sponsors ou des réseaux, et une reconnaissance plus facile de leurs objets comme « art ». Malgré cela, il était important pour moi de ne pas faire payer l’entrée. Premièrement, pour permettre aux plus démunis d’accéder à la culture, et deuxièmement, parce que le musée vit de la générosité de la scène artistique mondiale et de leurs dons. Je reçois des stickers gratuitement du monde entier, ce qui me place dans la position luxueuse de pouvoir agrandir ma collection. Il me semble donc juste de laisser les portes du musée ouvertes à tous.

Avoir créé ce musée indépendant a-t-il changé le cours de ta carrière ?

Fondé et vivre avec le Sticker Museum depuis avril 2008 a été et reste la meilleure chose qui ait pu m’arriver. Avant cela, j’étais au sommet de ma carrière. Je gagnais bien ma vie et j’occupais un poste élevé. Mais après un certain temps, je me suis retrouvé dans une situation où j’ai réalisé que tout l’argent et la renommée ne compensaient pas le stress, la pression, les heures supplémentaires et l’atmosphère de travail désagréable. J’ai donc décidé de faire une pause. Le fait que cette évolution fatidique soit survenue pendant cette pause est bien sûr plus que fantastique. Depuis, je vis avec la conviction profonde que le temps, la détente et le plaisir sont bien plus importants que l’argent, bien qu’en tant que divorcé sans-le-sou (haha) sans enfant, je puisse facilement dire cela…

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