Ninin

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Reconnaître la culture du serpent à plumes

Ceci est une introduction : saint oma street art.

“Je crois que nous naissons tous artiste, que nous en avons tous le potentiel, mais qu’ensuite en commençant à grandir nous abandonnons : pourtant, il y a des gens qui ne renoncent jamais”

parcours

Comment es-tu devenu artiste ?

A douze ans, à Córdoba, ma grand-mère me voyait toujours dessiner et peindre lorsque j’avais du temps libre. Elle-même peintre, elle m’a amené chez une artiste pour que je découvre à quoi ressemble un atelier. Cette dame avait cinquante ou soixante ans, et comprenant mon intérêt pour l’Art elle m’a pris comme élève. Durant les premiers cours j’ai découvert une passion et, pendant près de huit ans, je me suis rendu chez elle une fois par semaine pour apprendre à utiliser l’acrylique, l’huile, ainsi qu’à travailler des natures mortes, des paysages et des portraits : je pense que c’est cela qui a éveillé en moi l’envie d’être artiste. En effet, je crois que nous naissons tous artiste, que nous en avons tous le potentiel, mais qu’ensuite en commençant à grandir nous abandonnons : pourtant, il y a des gens qui ne renoncent jamais, ou qui reprennent plus tard. La vie nous oblige à être sérieux, à mettre notre créativité de côté, à gagner de l’argent, à vivre, à se marier. Le monde de l’Art ne rentre pas forcément dans les plans d’une vie traditionnelle. Ma grand-mère a su voir cela en moi.

Quand as-tu commencé à créer dans la rue ?

Je suis arrivé en France en 2014, après avoir déjà exposé et travaillé avec une galerie en Argentine avant mes vingt ans. Je découvre véritablement le Street art lorsque je rencontre Noty Aroz et que je m’installe à La Cale. Jusque-là cela m’intéressait sans avoir moi-même l’intention d’en faire, mais à travers ces rencontres est apparue l’envie d’aller créer dans la rue, tout en prenant le temps de réfléchir d’abord à un sens et une démarche. Je commence alors à m’intéresser aux cultures précolombiennes et commence à travailler sur l’art préhispanique. J’étais loin de chez moi et je me demandais pourquoi ne pas apporter cette culture, détruite par la colonisation, dans les rues européennes. Ainsi, j’avais désormais l’envie et le propos nécessaires pour pouvoir commencer.

CONTRE-COLONISATION PAR LES SYMBOLES

Tu défendais alors l’idée d’une contre-colonisation, en apposant des figures symboliques des cultures préhispaniques dans d’anciens pays colonisateurs.

Ces pièces initiales fonctionnaient parce qu’elles étaient posées en Europe, car en Amérique du Sud elles n’auraient pas eu la même portée. Mon but était alors de revisiter et faire réémerger toute cette production culturelle pour la déployer dans les rues européennes. Cala a commencé par des symboles comme la tête de mort, très présente dans la culture précolombienne, qui était pour moi une façon de montrer les morts issus de la colonisation. Progressivement, je suis rentré dans la profondeur de l’Histoire et des légendes, en revisitant celles du Quetzalcóatl ou de Tenochtitlán, essayant de leur donner un style graphique personnel tout en en respectant les codes.

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Tu travailles désormais sur le détournement d’œuvres iconiques de la culture occidentale.

Je pourrais continuer à travailler sur l’art préhispanique car c’est un univers extrêmement vaste. Mais je sentais qu’il manquait à ma démarche un élément de bataille, de lutte, qui la rende déterminante : elle ne parlait pas d’elle-même et avait toujours besoin d’être expliquée. Or, je ne parvenais pas réellement à communiquer ma vision de la colonisation. Je ne suis pas maya, mes grands-parents sont européens, mais je me rapproche politiquement et philosophiquement de cette culture. Au fil de mes discussions j’ai commencé à avoir l’idée de peindre Christophe Colomb avec tous les attributs de l’Amérique préhispanique : peut-être alors que les gens comprendraient. Très vite me sont apparus d’autres images symboliques à détourner, qu’elles soient liées à la religion catholique, qui a contribué à la colonisation américaine, mais également à la culture ou à l’Art, comme en France la figure de Marianne, la Liberté guidant le peuple d’Eugène Delacroix, ou Bonaparte franchissant le Grand-Saint-Bernard de Jacques-Louis David. En effet, j’ai réalisé que la colonisation passe également par l’Art : les œuvres les plus connues au monde, celles que tout le monde peut reconnaître, sont toutes européennes. En Argentine, les gens reconnaissent plus facilement Napoléon sur son cheval que l’empereur Atahualpa. Je pouvais réagir à cela en transformant les icônes de l’Art européen avec les codes précolombiens. J’ai alors commencé à travailler sur la Joconde ou la Jeune fille à la perle, des œuvres facilement identifiables. Ainsi, en mettant la tête d’Atahualpa sur le corps de Napoléon et en montant ce dernier sur un lama, ma démarche acquiert soudain plus de sens.

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Comment cette recherche se traduit-elle dans tes choix picturaux ?

J’essaie de conserver les mêmes codes couleurs que les œuvres originales pour que l’on puisse les reconnaître, tout en travaillant plutôt les formes, les motifs et les trames. Mon objectif est de trouver un juste milieu qui laisse la peinture reconnaissable, tout en rendant évident le fait que la toile parle de la culture latino-américaine. Cela passe par exemple par le choix de certains attributs ou décors, comme les coiffes, les vêtements, ou le fait de placer une pyramide en fond.

Dès lors, ta démarche s’affranchit du lieu pour se placer au centre même de la peinture.

Mon travail peut désormais avoir du sens n’importe où, notamment en Amérique latine. Détourner le Christ rédempteur du mont Corcovado parlerait de soi-même. Parallèlement, j’ai commencé à me poser des questions sur la contre-colonisation : souhaitais-je vraiment cela, ou plutôt une forme de résistance qui permette de conserver sa propre identité ? Progressivement, j’ai ainsi dirigé un peu autrement mon message, pour parler davantage d’une identité latino-américaine essayant de s’opposer à une colonisation dont les effets se font encore sentir aujourd’hui : nous parlons tous espagnols, la religion principale est le catholicisme, la mode aussi est très influencée par l’Europe. Je ne cherche plus ainsi à exprimer l’idée d’une vengeance, sinon à faire émerger ces traditions tout en montrant comme fonctionne la culture dominante.

ninin street art
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Nous pourrions aussi revenir sur cette représentation de la mort, qui même si elle est discrète se veut néanmoins familière, étant en cela très influencée par les cultures sud-américaines.

C’est une chose naturelle, qui fait notamment face à la vision catholique de la mort qui est grave, sombre, presque tabou. Les personnages que je peins sont toujours joyeux, n’ont pas d’angoisse de la mort. Je pense que cette vision est influencée par plusieurs années de découverte des cultures précolombiennes. Le sacrifice humain était aussi courant chez eux que pour nous prendre l’avion. Il faisait littéralement partie de la vie. Ainsi, la mort de quelqu’un n’était pas un évènement tragique. Dans mon travail, cette représentation est passée par l’utilisation de la tête de mort, que j’ai toujours conservée, car c’est un symbole fort des cultures mayas et aztèques.

LE CHOIX DU COLLAGE

Pourquoi avoir choisi le collage comme medium ?

J’ai d’abord choisi le collage car il comportait moins de risque, notamment au vu de ma situation d’étranger avec une carte de séjour. Je ne me sentais pas prêt à aller peindre directement sur le mur alors que devais la renouveler tous les deux ans. Je me suis aussi rendu compte qu’il s’agissait d’un medium plus démocratique, car si j’impose aux citoyens des images ou des histoires, je trouve dommage qu’ils ne puissent pas participer, même si cela passe par le fait de les enlever ou de les déchirer. Je trouve intéressante cette façon assumée de s’exprimer, mais si pour un autre mon message n’est pas important, scandaleux ou laid, il me paraît équitable qu’il puisse le retirer. Je trouve cela un peu égocentrique de penser que mon travail est magnifique et mérite de rester.

ninin street art
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Colles-tu principalement des pièces uniques ?

Avant toute chose je prends du plaisir à peindre et je n’ai pas envie de faire des photocopies ou des impressions. En tant qu’artiste, je trouve qu’il est important de proposer une œuvre d’art dans la rue et non pas la publicité de son travail : s’il s’agit juste de se faire connaître il y a d’autres moyens, comme Internet ou les galeries. Il est dommage que dans la rue le Street art se mette au niveau de la publicité. Cependant, comme je ne réalise presque pour la rue que des pièces uniques à l’acrylique sur papier, je sais qu’il est probable que peu de personnes les voient. Le seul visuel que je travaille de façon répétée, en sérigraphie, est la tête de mort.

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Quel regard as-tu sur l’aspect éphémère de ton travail ?

Le fait d’être certain que les images posées dans la rue ne restent pas est intéressant. C’est un soulagement de savoir qu’un travail réalisée trois ans auparavant n’existe plus, car peut-être qu’on ne l’apprécierait plus aujourd’hui. En effet, même sur l’aspect technique, la tête de mort que je réalisais à l’origine a évolué : ses formes sont plus harmonieuses, j’y incorpore plus d’éléments. Ce n’est pas grave si le collage n’est pas un chef-d’œuvre, car il disparaitra. Pour autant, c’est difficile d’accepter le retrait d’un visuel en moins de vingt-quatre heures, comme cela a pu m’arriver avec la Vierge. Pour moi, le plus important dans l’Art urbain est de le faire, pas forcément qu’il soit vu. Cela est peut-être différent pour d’autres artistes, ce qui est légitime, mais pour moi mon message passe par l’action, c’est-à-dire la peinture et le fait d’aller coller. Mon but sera atteint une fois l’œuvre placée dans la rue.

CREER DANS LA RUE

En quoi la rue est-elle un espace de création particulier ?

Pour moi la rue n’est pas un espace de création, l’atelier en est un. Pour mes collages, je repère d’abord le mur, afin qu’il y ait un dialogue entre mon travail et l’endroit où il est posé, mais la peinture se fait en atelier : la rue est un espace de diffusion. C’est aussi un espace de libération, sans règles : en tant qu’artiste j’y fais ce que je veux. Il est d’ailleurs paradoxal que le moment où je me sente le plus libre soit en collant illégalement dans la rue. C’est une question que je me pose parfois : ce sentiment de liberté vient-il justement du fait d’accomplir une action non autorisée ? Enfin, la rue est un espace d’inspiration : quand je passe devant un mur, j’en repère les dimensions, pour revenir ensuite y libérer cette énergie créative. Ensuite je n’y repasse jamais plus sauf s’il se trouve sur mon chemin. Sentir que l’on a projeté une énergie et offert une pièce à quelques personnes, peut-être aucune, me suffit.

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Quelle perception as-tu de ces spots qui regroupent un très grand nombre de pièces car ils offrent une plus grande visibilité ?

D’un point de vue esthétique ce n’est pas intéressant, car il s’agit le plus souvent d’un ensemble de choses qui n’ont pas été créées pour interagir ensemble dans le même espace. Le dialogue entre plusieurs collages ne fonctionne pas souvent. Je préfère adapter la peinture à un mur spécifique pour qu’elle vive seule à cet emplacement. Ce n’est pas une question d’ego : lorsque l’on place un tableau chez soi on fixe un cadre, mais si on commence à les empiler l’ensemble perd en puissance. Pour la rue cela fonctionne de la même façon : la seule exception reste la tête de mort que j’essaie de coller en hauteur. Le placement est depuis près d’un an pour moi la touche finale, qui permettra au collage d’être le plus abouti : en effet, une belle peinture peut ne pas du tout convenir dans un endroit donné.

As-tu l’impression avec l’Art urbain de faire partie d’un courant artistique ?

Je pense qu’on peut parler de courant artistique. Certains disent qu’il est trop tôt pour le savoir, mais on peut déjà voir la dimension globale du phénomène, son évolution dans le temps, la multiplicité des techniques. Il y a plusieurs définitions de ce qu’est un courant artistique : lorsque l’on pense à l’impressionnisme il s’agit d’une technique, mais avec le Street art il s’agit d’une chose beaucoup plus large. Le point commun de tous ces artistes, ce sont la rue et ses murs. Cependant, il est encore difficile de savoir la place qu’il occupera dans l’histoire de l’Art. Le moment où les artistes sont sortis dans la rue pour créer constitue une rupture, dont il est difficile de parler en tant qu’artiste car elle fait partie de notre vie. On ne sait pas si ce courant est important pour les gens, et peut-être que la grande majorité s’en moque. Nous cela a changé notre vie.

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Est-ce pour toi un courant mondial ou composé de scènes locales particulières ?

Je peux parler de celles que je connais vraiment, la scène parisienne et celle de Córdoba. Lorsque je suis allé pour la dernière fois en Argentine, j’ai monté un projet d’exposition avec des artistes locaux et j’ai alors réalisé les énormes différences existantes entre les deux : là-bas le collage n’existe quasiment pas, le Graffiti n’est jamais vraiment arrivé, il n’y a pas eu de culture hip-hop. Le Street art a été influencé par le muralisme, comme on le trouve au Mexique, au Brésil ou au Chili. La scène artistique qui en découle est complètement différente, faite de grands murs qui ne sont pas des commandes et non rémunérés. Si l’on veut peindre, on frappe à la porte du propriétaire pour lui demander son accord : dans tous les cas l’œuvre sera toujours monumentale, prenant plusieurs jours de travail.

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Photographies:  Ninin

Vous pouvez retrouver Ninin sur Instagram,  Facebook et son site internet.

Entretien enregistré en octobre 2020.

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